Rosana Ribeiro

Als die CPA-Termine bekannt wurden und wir feststellten, dass Jadwiga nicht verfügbar sein würde, war sofort klar, dass Jin die einzige Person ist, die das Solo übernehmen kann. Die beiden haben sehr eng an dem Duett gearbeitet und kennen sich extrem gut.

Rosana Ribeiro

Das ist ein sensibler Prozess, weil meine Arbeit immer eine Co-Kreation mit der Performer*in ist. Wir beginnen aus der Tiefe dessen heraus, was bereits existiert: der Recherche, den Schichten, die sowohl von Jadwiga als auch von mir kommen. Von dort aus arbeiten wir weiter mit Übungen und Improvisationen, die Jins eigene Stimme ins Stück einfließen lassen. Ich denke, der Kern der Arbeit — ihre Struktur und Choreografie — wird sich nicht verändern. Es geht mehr darum, wie man ihre persönliche Erfahrung hineinflecht.

Rosana Ribeiro

Wir haben es sehr genossen, das Konzept des Fallens, des Hinabsinkens, und die Bedeutung des Loslassens in so vielen verschiedenen Momenten des Lebens zu erkunden. Mich hat besonders interessiert, dieses langsame Loslassen zu zeigen, damit wir es wirklich miterleben können — all diese Mikrobewegungen, all die Zellen in Bewegung. Für mich ist das ein Schlüsselaspekt des Prozesses: mit Jin darüber zu sprechen, was Loslassen für sie bedeutet und wie es in ihrem Leben und ihrer Sicht auf die Welt resoniert.

Rosana Ribeiro

Es ist wirklich eine Kombination — von mir, von der Tänzer*in und von allen, die in unserem Kollektiv beteiligt sind. Jede Person bringt etwas Einzigartiges ein, und ich suche das aktiv: das Nebeneinander vieler verschiedener Stimmen. Was ich zu schaffen versuche, manchmal erfolgreich, manchmal nicht, ist ein Raum, in dem mehrere Bedeutungen gleichzeitig existieren können, sodass jede Zuschauer*in etwas findet, das persönlich resoniert. Vielleicht spricht dich ein Teil nicht an, dafür ein anderer umso mehr. Und etwas, das für mich eine Bedeutung hat, kann für dich ganz anders sein — und das ist wunderbar. Wenn ein Thema wie Resilienz auftaucht, beginnt es immer von einem sehr persönlichen Ort, von etwas, das ich gerade selbst vielleicht erlebe. Sobald es aber ins Studio kommt, gewinnt es eine weitere Schicht — eine kollektive Schicht — durch Diskussion und Austausch. Mit Verena Pircher, meiner Dramaturg*in, beginnt es oft als ein Tanz aus Worten und Gedanken, bevor es Bewegung wird.

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So viele. Es ist unmöglich, nicht von dem beeinflusst zu sein, was in der Welt passiert, oder?

Oft beginnt es mit einer Empfindung, einer Textur oder einfach einem Bild von Bewegung. Rückblickend an „Echoes“ erinnere ich mich an diesen ersten Teil, der sich um die Idee der „Stolpersteine des Lebens“ drehte. Wir haben auch über verschiedene Formen des Widerstands auf der Welt gesprochen — Orte, an denen Krieg und Konflikt Teil des Alltags sind — und wie bestimmte Gesten oder Bewegungen Spuren dieser Realität tragen können.

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Wir haben damit begonnen, die vielen Male zu erforschen, in denen du fällst und durch diese Stürze auf verschiedene Dinge triffst. Es kann Herzschmerz sein oder eine körperliche Herausforderung — wie eine Diagnose oder eine Krankheit — etwas, das dich tief erschüttert. Wir haben untersucht, wie der Körper aus unterschiedlichen Perspektiven fallen kann und wie er sich langsam lösen kann, so dass du es wirklich sehen kannst.

Die Titel der einzelnen Abschnitte des Stücks lauten „Adaptive Transformation“ und „Vulnerable Flexibility“. Im ersten Teil gibt es die Idee, dass du in den vielen Malen, in denen du fällst, vielleicht schwebst, gleitest oder einfach sofort fällst — ein Spiel mit Geschwindigkeit und damit, wie Zeit sich im Fall dehnt oder zusammenzieht.

Eine Improvisation begann damit, aufrecht zu stehen, und dann beginnt etwas, dich zu zerdrücken oder nach unten zu ziehen, sodass du zu kippen beginnst, ein bisschen wie der Schiefe Turm von Pisa. Wir spielten mit der Frage: Was, wenn deine Achse nicht dort ist, wo du sie erwartest? Wie stört das deine Bewegung?

Für den zweiten Teil begannen wir mit einem Bild, das aus einem anderen Stück kam — eine Pflanze, die sich durch Beton schiebt. Die Struktur ist starr und mächtig, aber die Pflanze findet ihren Weg, indem sie kreisend allmählich nach oben wächst. Das wurde zur Metapher für diese verwundbare Flexibilität: Wenn sich der Körper gebrochen anfühlt, wie findest du Wege, wieder aufzustehen, auch wenn du immer wieder hinfällst? Ich erinnere mich, dass wir auch mit dem Versuch gespielt haben, durch einen sehr winzigen Raum zu passen, nur um zu sehen, wie Ausdauer die Qualität der Bewegung verändert.

Rosana Ribeiro

Ja. Zur Zeit von „Echoes“ habe ich „The Body Keeps the Score“ gelesen, das darüber spricht, wie Bewegung helfen kann, Trauma zu verarbeiten, wenn es erstarrt ist. Das interessiert mich sehr. Mein späteres Stück „Tidal Wave“ beschäftigt sich ebenfalls mit zyklischen Kräften und wie sie unerwartete Räume öffnen können. In „Echoes of Resistance“ ging es darum, wie man durch das Hindernis bewegt, wie man sich an Dinge anpasst, die überwältigend oder schockierend sind, und wie man diese „verwundbare Flexibilität“ offenlegt, selbst während des Fallens. Es kann sehr stärkend sein, sich zu öffnen — wenn man sich natürlich in einem sicheren Raum befindet.

Rosana Ribeiro

Definitiv, wenn auch auf eher unerwartete Weise. Und obwohl all dieses akrobatische Wissen noch in meinem Körper ist, brauchte ich eine Weile Abstand vom Zirkus — um zurückzutreten und es zu verstehen. Ich bin wahrscheinlich noch in diesem Prozess. Was geblieben ist, ist, wie der Zirkus Kreativität, Geschichte und Fantasie frei fließen lässt, ohne strenge Etiketten. Du kannst nichts rein technisch präsentieren; es muss immer eine künstlerische Dimension haben. Diese Offenheit hat meine heutige Arbeit sehr geprägt.

Rosana Ribeiro

In der Zirkusschule hat mich fasziniert, wie Sozialarbeit, Bildung und Performance miteinander verbunden waren. Alles war konzeptbasiert. Wir mischten Tanz, Theater, Akrobatik und Luftarbeit — und diese Fusion blieb bei mir. Als ich noch mit dem Reifen auftrat und Akrobatik machte, merkte ich, dass mich am meisten anzog, wie Tanz zur Art Klebstoff wurde, der alles zusammenhielt. Ich liebte diese Möglichkeit, Tanz als etwas zu sehen, das so viel Bedeutung tragen kann.

Rosana Ribeiro

Ja. Ich wollte mein Verständnis vertiefen. Damals habe ich mich viel auf Release-Technik konzentriert und bin zurückgegangen zu den Traditionen von Graham, Cunningham und Laban. Aber die wirkliche Schule kam später, im Freelance-Bereich — zuerst in London, dann auf Tour — wo all diese Ideen auf die Realität treffen mussten.

Rosana Ribeiro

Mein Partner ist von hier. Kurz vor der Pandemie wusste ich, dass ich näher bei meiner Familie sein wollte — ich hatte da bereits eine Tochter. Das ist eine riesige Sache, besonders für Frauen: wie man Familie und Arbeit vereinbart. Jetzt habe ich zwei Kinder, da wurde die Frage noch wichtiger — wie man weiterarbeitet und trotzdem ein Familienleben hat. Also begann ich, eigene Projekte zu entwickeln, arbeitete ein bisschen mit der Szene und machte eine Residency im Workspace-Programm. Es fühlte sich an wie ein Ort mit gutem Boden, irgendwo sicher und gesund für eine Familie, umgeben von Natur, aber auch kulturell lebendig und offen für neue Ideen. Und sie waren unterstützend!

Rosana Ribeiro

Das erste Stück, „Selva“ — das auch der Name unseres Kollektivs ist — begann tatsächlich, als ich noch in Lissabon lebte. Es war mein erstes Rechercheprojekt, in dem ich versuchte zu verstehen, was ich wirklich machen wollte. Es war inspiriert vom Buch „Women Who Run with the Wolves“ von Clarissa Pinkola Estés. Da gab es etwas sehr Emotionales, eine Kraft, die ich erforschen wollte.

Rosana Ribeiro

Auf jeden Fall. All die Themen, die auf den Tisch kommen, stammen aus persönlichen Sensibilitäten und Interessen. Und dann hofft man, Menschen zu finden, die damit resonieren. Das Thema Intuition und Vertrauen ist riesig für alle, aber besonders für Frauen. Es ist in all meinen Stücken präsent und prägt auch tief den Prozess: wie man diesem Ort in sich vertraut, darauf vertraut, dass etwas Unerwartetes daraus entstehen könnte — und dass es mehr Kraft haben könnte, als du denkst.

Im Kollektiv sprechen wir oft davon, unser eigenes Ökosystem zu schaffen. Das ist wirklich der fruchtbare Boden für all meine Stücke, das Spiel mit der Idee von Natur und wo die Grenze zwischen Natur und Kultur liegt. Wann geht das eine ins andere über? Das hinterfrage ich immer noch. Der Faden ist, dass Selva — dieser Dschungel — aus vielen Kräften besteht, die durch unterschiedliche Leben und Organismen zusammenkommen, alle verbunden als eins.

Rosana Ribeiro

Genau! Dieses Gefühl von Verbundenheit spielte eine riesige Rolle. Das Stück nach „Selva“ hieß „Mycelium“. Es ging um Pilze, um die Kommunikation, die unterirdisch stattfindet, in der Erde und im Wald, und um Herkunft — diese Systeme, die lange vor uns existierten, dieses riesige lebende Netzwerk unter allem.

Rosana Ribeiro

Enorm. Wie soll man das in Worte fassen? Eines, was ich hier am meisten liebe, ist dieses Dazwischen, weil wir ja auch Natur sind, oder? Hier in Österreich, welche Visionen, Berufe oder politischen Ansichten die Menschen auch immer haben, es gibt eine tiefe Verbindung zu Bäumen, Bergen, dem Boden. Es gibt einen geteilten Respekt vor dem Land und seinem Wissen, und hier kann das wirklich im Einklang leben.

Man spürt diese mächtigen Kräfte — vom Untersberg bis zum Mönchsberg und all das Wasser, das durch die Stadt fließt. Für „Tidal Wave“ wurde dieses Gefühl der Wasserkraft essentiell.

Die Natur beeinflusst meine Arbeit ständig. Zum Beispiel, wenn ich den Mönchsberg hinaufgehe, komme ich in einen anderen Rhythmus, ein anderes Timing, einen anderen Zyklus. Diese Energie versuche ich ins Studio zurückzubringen.

Rosana Ribeiro

Ja. In den letzten drei Projekten arbeiten wir mit einer Übung, die ich von einer meiner Mentorinnen, Angélique Willkie, gelernt habe, als ich am ATLAS war. Sie heißt „landscape acknowledgment“. Du beginnst damit, die Landschaft wirklich zu beobachten — den Boden selbst, wie hier in Salzburg, in Österreich, in Europa — und den Ort zu verstehen, auf dem du stehst. Dann platzierst du dich dort mit deinem Körper, deiner Geschichte, allem, was du mitbringst. Von dort aus zeichnen wir unsere eigenen Geschichten durch das Land nach — wie die Orte unseres Lebens und unserer Familien unsere Körper auf unterschiedliche Weise geprägt haben. Es geht um dieses Gefühl des Zugehörens und Nicht-Zugehörens — wie das dich beweglicher, nomadischer macht, wie du viele Orte in dir trägst. Du hinterlässt Spuren und nimmst auch Stücke jedes Ortes mit; sie werden Teil von dir, Teil deiner Narben. Wir machen diese Übung in den letzten drei Kreationen; sie ist zu einer großen Grundlage dafür geworden, wie wir mit dem Körper zu arbeiten beginnen.

Rosana Ribeiro

Genau. Es geht durch die Zellen, durch alles. Es geht darum, Bewusstsein für diese Querverweise zu schaffen — dein persönliches Gedächtnis, aber auch das Gedächtnis, das mit dem Boden selbst, mit Traumata, mit Geschichte verbunden ist. Und wie das je nach Perspektive unterschiedlich verschoben wird.

Rosana Ribeiro

Ich möchte es nicht auf eine einzige Bedeutung reduzieren. Aber eine wesentliche Frage ist: Wie stellst du dich etwas Mächtigem — vielleicht Aggressivem, vielleicht Zerstörerischem — ohne mit derselben Gewalt zu reagieren? Wie findest du Wege zu widerstehen, ohne Gewalt zu spiegeln? Wie kannst du einen Raum schaffen, in dem Widerstand selbst zu einer Form von Stärke wird?

Rosana Ribeiro

Sehr ähnlich. Am Ende ist der Körper auf der Bühne ein politisches Objekt, oder? Er trägt immer so viel: persönliche Geschichte, gelebte Erfahrung und der einfache Akt, frei zu sein, sie auszudrücken. Einen Raum zu schaffen, in dem sich dieser Ausdruck unterstützt anfühlt, ist schon riesig.

Also denke ich, genau dort verflechten sich Resilienz und Widerstand wirklich. Denn du musst Wege finden, weiterhin Kraft zu sammeln und gleichzeitig zu widerstehen, während etwas dich niederdrückt.