Helena Araújo

Ich habe vor einigen Jahren an der SEAD studiert und blieb stark damit verbunden. Ich bin zurückgekommen, weil ich das Gefühl hatte, ein Netzwerk und eine Verbundenheit zu haben, die ich pflegen wollte.

Helena Araújo

Als ich Cabaret zum ersten Mal begegnete, war es nicht etwas Spezifisches, das mich angezogen hat; vielmehr hat es mich einfach umarmt.

Es begann in Prag, kurz vor der Pandemie. Ich wurde eingeladen, dort einen Cabaret‑Abend namens „Pinkbus“ zu moderieren, wo ich einen Act mit einem eigenen Lied kreiert habe, das queere migrantische Femmes feiert und bestärkt. Ich nahm auch an einer weiteren Performance der großartigen Künstlerin und Dragqueen Just Karen teil, in der wir Sexualität und queere Liebe erkundeten.

Davor war ich nicht wirklich Teil der Cabaret‑Welt, obwohl ich schon Aufführungen besucht und diese Veranstaltungen von innen mitgestaltet hatte. Was ich an den Cabarets liebe, in denen ich war und immer noch involviert bin, ist ihre unprätentiöse Atmosphäre. Historisch entstand Cabaret als Raum des Widerstands und der Gesellschaftskritik, der Humor, Politik und Kunst auf zugängliche und subversive Weise mischt. Dieser Geist spricht mich sehr an. Für mich ist Cabaret etwas, das straight – oder sagen wir: queer – zum Herzen spricht, ein Raum, in dem ich wirklich experimentieren, spielen und verbinden kann. Ich liebe seine Offenheit, die Art, wie es alle willkommen heißt. Was mich außerdem fasziniert, ist, wie es die Rollen umdreht: Es zeigt, dass Unterhaltung und Glamour scharf, kritisch und tiefgründig sein können. Genau diese Mischung macht Cabaret für mich so kraftvoll.

Helena Araújo

Ja, ich denke, Menschen, besonders im Globalen Norden, unterschätzen die Macht des Lachens wirklich. Manchmal habe ich das Gefühl, es gibt eine Angst vor überströmenden Gefühlen, und Lachen ist einer dieser Momente, in dem man wirklich etwas loslässt. Weil es nicht als „ernst“ oder „cool“ gilt, wird es oft nicht als wertvoll betrachtet. Ich glaube jedoch, dass Komik sehr ernst und sehr cool sein kann; sie kann tiefe Kritik und Einsicht tragen.

Clowning war in meinem künstlerischen Leben nicht immer präsent, aber irgendwie bin ich schon immer die Person gewesen, die Menschen zum Lachen bringt — meine Familie, meine Freund*innen, sogar in angespannten Momenten. Ich schätze, es ist wie ein kleines Geschenk, das ich mit mir trage, wer weiß?

Als ich anfing, Performances zu machen, merkte ich, wie sehr ich es genieße, in das einzutauchen, was auf der Bühne Freude erzeugt, oder wie Lachen Kritik tragen kann. Ich werde da sehr nerdig: Timing, Arten und Körperlichkeit der Witze sowie das Spiel mit Worten. Ich habe auch viele Freund*innen, die Clowning machen und mir oft ihre Tipps weitergeben. Eines meiner Merkmale ist, Kritik durch einzelne Wörter zu geben, die im Mund des Publikums nachhallen, wie „jadore“ oder „kunst“. Ich liebe dieses subtile Spiel, wo Humor und Kritik sich überlappen. Es geht nicht darum, um des Lustigseins willen witzig zu sein — oder manchmal schon, seien wir ehrlich —, sondern darum, Lachen als scharfes, zärtliches und kraftvolles Werkzeug zu nutzen.

Helena Araújo

Ich sehe Humor, Ironie und Verspieltheit nicht als getrennt von Analyse; für mich sind sie essentielle Werkzeuge, die Reflexion zugänglicher machen. Dieser Glaube war mein Leitprinzip von Anfang an.

Der Prozess für and „it gets better“ begann mit meinem Wunsch, offen über die Herausforderungen freiberuflicher Künstler*innen zu sprechen: die psychische Belastung und die berufliche Prekarität, die sich oft zu verletzlich anfühlen, um sie direkt anzusprechen. Ich wusste, dass eine traditionelle, analytische Präsentation nicht so ankommen würde, wie ich es mir wünschte. Also habe ich mich bewusst für eine Form entschieden, die sich natürlicher anfühlte: eine Mischung aus Cabaret, Theater und Tanz — das sind auch die Welten, in denen ich mich bewege. Ich habe nie an die "hohe" versus "niedrige" Kunsthierarchie geglaubt… Diese Mischung erlaubte es, dass die Arbeit sowohl persönlich als auch ansprechend ist und das Publikum hoffentlich zum Lachen und Nachdenken einlädt.

Bojana Kunsts „Artist at Work“ war eine wichtige Referenz, wenn auch nicht die einzige. Sie bot einen kritischen Rahmen, um zu verstehen, warum diese künstlerischen Kämpfe systemisch sind. Aber ich wollte dem Publikum nicht einfach nur Theorie predigen. Mein Ziel war, diese Analyse in ein gemeinsames, gefühltes Erlebnis zu übersetzen. Humor wurde dafür zum perfekten Vehikel. Ich vertraue seiner Kraft, uns zu helfen, harte Wahrheiten mit Leichtigkeit zu begegnen, Spannung zu schmelzen, ohne die Schwere zu verlieren. Mich interessiert ausschließlich Komik, die aufdeckt, nicht die, die nach unten tritt. Dieses Erkennen‑Lachen, wenn etwas absurd oder schmerzhaft wahr erscheint, schafft für mich einen kraftvollen Moment der Verbindung.

Dieser Ansatz spiegelte sich in meinem gesamten Forschungsprozess wider. Während theoretischere Texte wie „Artist at Work“ und „Rest is Resistance“ zentrale Referenzen waren, habe ich mich auch mit populäreren Kritiken des Kapitalismus auseinandergesetzt und — ebenso wichtig — Tagebücher mit meinen eigenen Erfahrungen geschrieben. Ich habe Zeit in Gesprächen mit anderen Künstler*innen und Interviews mit Psycholog*innen verbracht. Meine Arbeit stützt sich nicht nur auf Bücher; sie ist im gelebten Erleben verankert. Tatsächlich stellt das Stück die Frage, warum Künstler*innen ständig ihre intellektuelle Glaubwürdigkeit performen müssen, um geschätzt zu werden. Ich glaube, die resonanteste Arbeit entsteht aus dem Dialog zwischen Theoretischem und Persönlichem — oder alles, was mit dem Herzen verbunden ist.

Helena Araújo

Ich hänge nicht so sehr an meinen Tagebüchern. Sie dienen eher als Orientierung, genauso wie die Bücher, Interviews und Austausche, die ich geführt habe. Ich markiere, was sich in dem Moment wichtig oder relevant anfühlt, und mache dann Freewriting, damit mehr Gedanken herausfließen. Danach achte ich darauf, was pulsiert, was mich anzieht oder ob etwas Unerwartetes auftaucht.

Ich verbringe viel Zeit damit, über die Themen nachzudenken und Tagträume zu spinnen, wie eine Szene aussehen könnte. Zum Beispiel fantasiere ich über die Gefühle, die darin vorkommen könnten, und was ich damit sagen möchte. Danach lege ich meist ein Lied auf, in das ich mich gerade reinhöre, um meinen Körper, meine Stimme und mein Herz zu wecken und zu sehen, was in mir in Bewegung kommt. Dann fange ich an, Listen zu machen: Bilder, Ideen, Momente, die meine Aufmerksamkeit fangen.

Aus dem Material erstelle ich kleine Szenen mit unterschiedlichen Schwerpunkten, manche körperlicher, andere mehr text‑ oder stimmbasiert. Später beginne ich, sie zu kombinieren und neu anzuordnen, fast wie Puzzleteile, bis sie eine eigene Logik zeigen. Ich experimente viel damit, etwas festes Material zu haben; irgendwie funktioniert das für mich, und daraus kann ich improvisieren. Ich versuche, es nicht zu ernst zu nehmen oder mich zu sehr festzulegen, und offen für Überraschungen und Änderungen zu bleiben, während der Prozess sich entfaltet.

Schließlich gehe ich zurück in meine Tagebücher, Bücher und Interviews, um zu sehen, was zusammenpasst, was Sinn für das große Ganze macht, was ich wirklich sagen möchte, und konsultiere meine Dramaturgin, Freund*innen oder andere Außenperspektiven für Feedback, um dann den Prozess weiterzuführen.

Helena Araújo

Das Bild des Strandes hatte ich tatsächlich, bevor ich mit der Arbeit begonnen habe. Für mich trägt es viele Bedeutungen und Schichten, besonders als jemand aus dem Globalen Süden, aber der Aspekt, auf den ich mich fokussieren wollte, war Verbindung. Ich liebe, wie viel Getuschel am Strand stattfindet, und ich wollte einen Raum schaffen, in dem ich meine Erfahrungen und Reflexionen mit dem Publikum auf dieselbe intime, gesprächige Weise teilen kann. Von dort aus entstanden andere Bedeutungen: die Herausforderung, ohne Anleitung zu ruhen, die Idee, dein eigenes Produkt zu werden, dich „zu verkaufen“, erfolgreich zu erscheinen und all die Spannungen, die damit einhergehen.

Helena Araújo

Bis jetzt wurde die Arbeit sowohl von der Szene als auch von Menschen aus anderen Bereichen sehr gut aufgenommen. Indem ich meine Erfahrung mit psychischer Gesundheit im Kontext des westlichen kapitalistischen Systems offenlege, konnten sich viele Menschen wiedererkennen.

Helena Araújo

Es ist nicht immer so, dass ich unter prekären Bedingungen arbeite, aber es passiert sehr oft. Ich lerne ständig, wie man mitten im Ganzen ruht. Manchmal ist der Rhythmus einfach zu viel, das ist das System, in dem wir leben, besonders wenn du nicht aus einem privilegierten Hintergrund stammst oder nicht zu den „Auserwählten“ in dem Feld gehörst. In letzter Zeit übe ich, nein zu sagen, klarere Grenzen zu setzen und ohne Schuldgefühle zu ruhen. Ich bin schlecht darin, aber ich übe. Am meisten hilft mir der Austausch mit anderen, Zeit, Räume und Ressourcen mit Freund*innen und Künstler*innen zu teilen. Diese Momente der Verbindung erinnern mich daran, dass Fürsorge eine Form des Widerstands sein kann. Letztlich versuche ich, Lust, Freude und Intuition eher zu folgen als Trends und Vorstellungskraft sowie Gemeinschaft in Räumen zu nähren, die uns oft erschöpfen oder klein fühlen lassen wollen.

Helena Araújo

Ich liebe meinen Job, und ich mache diese Liebe zum Job, weil das, was ich liebe, auch zu meiner Arbeit geworden ist, mit all seinen Widersprüchen. Ich versuche, die Liebe in der Arbeit zu schützen, auch wenn die Bedingungen es schwer machen. Diese Arbeit zu lieben heißt nicht, dass es immer leicht ist; es heißt, dass ich immer wieder Wege finde, nahe an dem zu bleiben, was mich bewegt.